We will watch them burn

The flavour of electroacoustic music

2010-12-07T14:43:00.009Z

Recently, I got two recordings: Francis Dhomont's '... et autres utopies' and Jean-Claude Eloy's 'Gaku-no-Michi', and I have listened to them numerous times in the past few months.

Simply speaking, they provide a new adventure of sounds, and also stimulate another point of view about the 'sound objects' in the real environment. Now, I cannot wait to hear every new sound and new 'dynamical event' in a new day.

一個有趣的網頁

2008-12-03T20:39:00.005Z

BUILDUP!（ビルドアップ!）－日本建設業団体連合会（日建連）

這個網頁其實是日本的建築業公會的網頁,但是整體設計卻相當有創意,並把機械與敲打的噪音融合成背景音樂. 在'LET'S BUILDUP!'這個分頁的flash遊戲中,還可以用在這些建設工地的聲音(電鑽,水泥攪拌機...)創作舞曲,並可以在網站上共同欣賞自己與別人的成果.

KLANG - A TRIBUTE TO KARLHEINZ STOCKHAUSEN

2008-11-09T13:31:00.034Z

自11月1-9日,倫敦的Southbank Centre舉辦了名為'KLANG - A TRIBUTE TO KARLHEINZ STOCKHAUSEN'的小型音樂節,以紀念在2007年12月逝世的德國作曲家Karlheinz Stockhausen,當中包含了音樂會,講座,Stockhausen在倫敦時授課的影片撥放等活動. 演出作品的重點集中在Stockhausen晚年在'LICHT'歌劇系列完成之後的另一新的作曲計畫:'KLANG' - 以一天24小時的每一小時為題作曲. 藉由這次的音樂節,愛樂者終於有機會能一窺Stockhausen晚期的音樂風格,同時數首Stockhausen不同時期的作品也囊括其中,以同時展現作曲家整體思維的風貌. 在今年的BBC PROMS音樂祭當中便已有兩場主題音樂會,演出Stockhausen早中期最重要的作品'Gruppen', 'Kontakte', 'Stimmung'與'KLANG'系列的'5th hour',而在明年初的倫敦Barbican音樂廳與BBC Symphony Orchestra也將舉辦數場音樂會以玆紀念,並以他最著名的作品之一'Hymnen'作為壓軸. 以此可見英國樂界對於這位20世紀音樂代表人物之一以及其影響的高度重視與尊敬.

Stockhausen最為人稱道的乃是其獨到創新的點子與概念,以及對於聲音有著令人耳目一新的美學觀點. 他在早期1950-70年代的作品有如石破天驚的轟動,並讓聽眾們重新檢視與思考對於音樂和聲響本身的聆聽態度,就有如'2001太空漫遊'中的黑巨石一般,觸發當代思想與智性的演化, 但是他對於非協和音的喜好與對數學的極度執著,使得另一方面其共鳴而生的天外之音對於當下的普羅大眾卻是震耳欲聾. 他在1950-70年代的形象,也是我們一般從音樂史書籍與市面上可見錄音中所能認識的,是一位以作品'文以載道'的時代先驅,而另一方面以古典音樂的觀點,便是Stockhausen直接同等於噪音,且沒有什麼可聽性的.

很可惜的,一些延續至今的定見卻僅是片面而且並非完全公道的. 當然這多少來自於Stockhausen作品現場演奏的參與機會並不常見,使得Stockhausen自早期作品中便已極力強調的空間元素,與中期作品之後所加入的劇場元素並無法單從錄音或廣播中體會,這些在現場才能體會到的整體概念事實上乃是Stockhausen作品魅力的重要來源之一,當然也正是這些因素使得其作品有機會能公開演出的難度大增. 即便像是早期的電子作品'少年之歌',聽了在現場有著良好設定的環繞四聲道演出之後,才會真正感受這此曲真正的面貌,這是完全超乎一般的聆聽經驗. 相較之下,2聲道的錄音版本與之相較可說風味已失一大半了,同時也失去作品大半想要表達的概念了. 就算是當今電腦與軟體科技已發展成熟,我們仍然很少聽到有音樂創作是像這首50年代草創時期的作品般,能真正能以空間為概念來作曲的. 在這次音樂節當中所撥放的8聲軌電子原音作品 'KLANG - 13th Hour: Cosmic Pulses'以及電子原音與人聲作品'KLANG - 19th Hour: Urantia for soprano'便是直接體現這種'空間作曲'概念的最後代表作. 尤其是'Cosmic Pulses',可堪稱Stockhausen晚期的巨作,引領著聽眾遨遊於24道音流在8軌環繞音響當中,激烈散射軌跡所交織而成的浩瀚聲響宇宙,這是聽覺的星間飛行.

Stockhausen的作品創作背後常有非常嚴密的數學構思或是所謂的'公式'來作為曲子本身的架構或推動力,並融合自身對於聲音透徹的了解,與身為作曲家的直觀與靈感. 最具其典型的作品之一乃是70年代的'Mantra',此作可視為集Stockhausen前中期作品思想大成之巨作. 標題'Mantra'僅僅單純來自Stockhausen引援自印度神秘學(佛教?)對於樂音與自識可相連的思想觀,來為自己在這首作品所建立的系統與背後寓義來背書. 作品亦本身結合有限度的即興,但整曲大部分建立在作曲家將開頭旋律(formula)中的13個樂音,各自在曲中的各個段落(cycle)為基音作著結構,時程,節奏,強度與音色(藉由電子儀器的幫助)的展開. 最後在結尾,樂曲被以極快的速度來演奏,甚至音符們在時間上就已被壓縮成一串串的合音,意喻達到作曲家所謂'瞬時'的概念.

Stockhausen在70年代的作品'Trans',90年代的'直昇機四重奏',以及'KLANG'的'4th hour -Heaven's door'暗示了Stockhausen創作動機的另一個重要來源:夢境的具現化. 這項動機所賦予的超現實,非理性與暗示性,或甚至因此而摻雜了些許難以言喻的幽默讓Stockhausen的作品有了另一種全然不同的風貌. 'Trans'的演出結合了燈光與演奏者動作的戲劇元素,一場具體而微的音樂劇場由然而生. 裡頭固定反覆的契子具象聲響,對於素來以厭惡反覆聞名的作曲家而言,這或許象徵著是某種惡夢. 這些表演元素在一些有如密儀般的作品中不僅帶出提醐味,甚至也點出猶如當頭棒喝的禪意. 例如在'Orchester-Finalisten'中,管絃樂團團員們為了贏得演出席位,所受的最終考驗為模仿受其八方環繞的具象音樂,其材料來自地球上四處的自然與人間的聲響,像是港灣的聲音,孩童在泳池的戲水聲,戰機的噴射引擎噪音...等. 相較於具象音樂的豐富自然,由於演奏者們被給予著極為有限的演奏材料,並伴隨著極為誇張的動作,便有如一個個被上了發條後便四處顫動的玩具模型一般. 最後當低音大提琴開始發狂般的猛拉特拉之時,從後台卻不經意地走出一個木乃伊,一直走到低音大提琴手旁並敲了聲鑼,此時低音大提琴手才好似解脫般地驟然停止. 另一作品'KLANG - 10th Hour: Glanz'則是三個獨奏者圍繞著'發光物體'演奏,旋律主要來自另一作品'5th Hour: Harmonien',旋律的平和協調給予了此曲平靜溫暖的基調,儘管聽來有點像外星人在聊天. 演出中前後還共有3次從後台或是觀眾席邊走入的其他獨奏家們陸續'進來取暖'及插個花,有一段源自聖經的拉丁文在演奏途中也被朗誦出來:Gloria in excelsis Deo, et in terra pax in hominibus bonae voluntatis (天主在天受光榮,主愛的人在世享平安 - 此句來自頌讚耶穌基督降生的經典讚美詩),此曲的聖誕喻意藉由這些元素而具體化.

Stockhausen真正開始將世界各地神話宗教的思想作大融合(或是要說難聽點的話便是大雜燴)的作品除了人聲作品'Stimmung'之外,便是他70年代之後共耗費25多個年頭才完成的'LICHT'歌劇系列. 這一段長時期的閉關與歌劇的題材讓外界對Stockhausen有著相當大的誤解,或甚至被淪作茶餘飯後八卦的題材,不但當年將他奉為神祇的信徒們摸不清其葫蘆裡到底是裝什麼膏藥,連當初一同跟他打拼的音樂夥伴們也搞不清他腦袋裡到底在想什麼,因而最後紛紛遠離他. 如今當自這些歌劇中的部分片段,終於能有機會演奏於大眾之前後,自此我們能感受到的是作曲家真正內在人性且深刻的一面,而不再僅是早期意氣風發,充滿才氣,文以載道的前衛才子了. 而其看似天馬行空的歌劇劇情,其實我們可以先將之單純看作一位已體會到為人父的作曲家,為其愛子(扮演歌劇的主角)所設計的一趟音樂成年之旅. 這次音樂節的的最後一場音樂會曲目'Lucifer's Dance'即是歌劇'SATURDAY from LICHT'的第3景,此曲藉由爵士的大樂團編制與角色Lucifer神秘又略帶嘲諷般地引介,音樂散發出無比炙熱的動力與狂亂騷動,在這場有如施展魔法般的音樂儀式中擊退光明的力量,歌劇的主角Michael.

'KLANG'系列的作品之一,'5th Hour: Harmonien'有著低音豎笛,長笛與小喇叭獨奏版本,且不同樂器的演奏版本之間有些許的變化. 旋律素材本身源自於'KLANG'系列作品所共用的24音符序列,而此24音符序列也其實源自於Stockhausen在50年代時,用於數個作品之中(如'Gruppen')的兩個12音符序列. 且作品的架構有著精心設計的數學排律與對稱操作,但是實際的演奏聽起來卻是相當自然流暢,並伴有自由即興的空靈氣蘊. 這次音樂節所演奏的是低音豎笛和長笛版本,由Suzanne Stephens和Kathinka兩位作曲家的密友所演奏,其富含情感且流轉的詮釋,曲終餘韻的清爽回甘,伴隨我們追思這位20世紀西方最為重要的作曲家之一.

參考資料:
1. 音樂節手冊
2. Wikipedia - Mantra
3. http://www.jimstonebraker.com/maconie-finalists.html
4. Other Planets: The Music of Karlheinz Stockhausen - http://books.google.com/books?id=iuJP2gIDDJkC&printsec=frontcover&dq=stockhausen&hl=zh-TW

BBC PROMS音樂祭Stockhausen主題音樂會錄音mp3
http://www.analogartsensemble.net/2008/10/stockhausen-day-at-bbc-proms.html

last fm有不少張Stockhausen作品CD的線上撥放
http://cn.last.fm/music/Karlheinz+Stockhausen?autostart=1

Ryan Adams live in London - part 3

2008-06-22T13:39:00.002+01:00

Ryan Adams live in London - part 2

2008-06-22T12:41:00.003+01:00

Ryan Adams live in London - part 1

2008-06-22T10:23:00.003+01:00

Webcast Concerts from Lancaster University

2008-02-26T00:34:00.003Z

http://www.lancasterconcerts.co.uk/webcast.asp

The entire first concert is already online. Check the webcast of the concert in the above link.

The programme of the first concert

Larry Goves - Four Letter Words
Gyorgy Kurtag - Signs, Games and Messages
Gyorgy Kurtag - Scenes from a Novel Â
Gyorgy Ligeti - Aventures & Nouvelles Aventures *

The 2nd one, which is exclusive project for Claude Viviver, will be online in 17th March, 2008.

ｅｌｅｃｔｒｉｃ　ｐ　ｒ　ｏ　ｍ　ｓ(test)

2008-01-25T22:49:00.000Z

Claude Vivier - Zipangu

2008-01-25T22:34:00.000Z

加拿大作曲家Claude Vivier曾是Stockhausen的學生, 但是當時他並未向大部分的西方學院派作曲家一樣,熱中於所謂前衛的複雜技法,或是抽象概念與哲學思維的追求,反而是真誠地藉自己的音樂語言展現對自身內在心景的探索;他作品的演奏就有如舉行某種神秘的儀式,引領著非現實非理性的幻想國度降臨,以死亡或是錐心的孤獨為鑰. 而他音樂最大的特點之一就是主體是單音音樂(monody)且富有旋律性的表達方式,歌者演唱自創猶如夢囈的語言(我們將會在他的作品'lonelychild'中聽到),以及在巴里島至伊朗等地旅居數年所給他的影響.

馬可波羅行紀/~/第一五八章日本國島 - 623 -

日本國(Zipangu)是一島，在東方大海中，距陸一千五百哩。
其島甚大，居民是偶像教徒，而自治其國。據有黃金，其數無
限，蓋其所屬諸島有金，而地距陸甚遠，商人鮮至，所以金多
無量，而不知何用。

在Philips發行的作品集裡,由De Leeuw指揮Schonberg Ensemble演奏他的四首作品,Prologue pour un Marco Polo,Bouchara,Zipangu與Lonely Child. 這四首完成於80-81年間的作品原本預定用在一部描寫馬可波羅一生的歌劇. 'Zipangu'由弦樂團演奏,大概是Vivier所寫出最具光彩色澤與合聲美感最明顯的作品了.甚至讓人聯想至近年興起的頻譜學派的概念.

而'Lonely Child'是首相當甜美的作品,在樂團的配襯下,歌手安慰著因孤獨而無法入眠的孩子將有許多童話中的精靈將會出現,陪伴他玩耍嬉戲. 而後氣氛遽然一變,歌詞也變成完全無法辨識的語言,有如突然墜入全然離奇陌生的國度...

Zipangu的演奏影片

Lonely Child的演奏影片

日本與越南音樂選粹

2008-01-25T22:17:00.000Z

狼の時間 - Thin City Part 2

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朝崎郁恵 - うたばうたゆん - 11 - 千鳥浜

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越南傳統音樂

xang xe

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improvisation

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loi lo

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細川俊夫作品集 - 観想の種子

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盤渉調の調子～アコーディオンと笙のための～ (細川俊夫 - Deep Silence)

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Iannis Xenakis - the Legend of Er (dvd: mode 148)

2008-01-25T22:03:00.000Z

Diatope是由Xenakis構思出來的多媒體藝術裝置之一，結合了建築,音樂,影像與光的裝置效果，這個大型的裝置藝術展示於1978年巴黎的龐畢度中心與隔年德國的伯恩．這個外觀為雙曲拋物面的建築裡不但有1600多盞閃光燈，還有4架以當時可是最新科技的雷射，配樂則是磁帶作品，為純具象音樂與電子原音音樂的融合，故在當時此可謂最新科技與藝術的結合．可惜的是這個裝置展示完之後就拆掉了，甚至連影片存檔都沒有，所以DVD裡頭的影片事實上只是這個diatope裝置的照片集錦與Xenakis的部分原稿，不過至少有照片總比沒有好．

但音樂倒是完好的被保存下來,而且它還有個獨立的標題,"the Legend of Er"，取自於柏拉圖的"理想國"；此段描述的是Er死亡但屍體卻未腐化，且十天後又活回來並開始敘述他的所見所聞．音樂整體大致是個拱型結構:緩慢安靜的開始，在中間達到最高潮,然後再逐步地恢復平緩的結束，我們可以把它想像成Xenakis鍾愛的概念-宇宙演化；也或許我們還是可以聯想到 Xenakis經歷過的2次大戰經驗，與他所曾受到幾乎致命的嚴重臉部創傷；一如他作品中讓人發昏的超大音量與標題所暗示的：去鬼門關遊一遭的傳說.，儘管Xenakis又宣稱他並不是受此傳說啟發而作此曲的．　另外這首曲子的聲響素材可分為3種，第一種是樂器的演奏聲，包含來自亞洲與非洲的樂器，第二種是噪音，像是磚塊互敲或是摩擦厚紙板的聲音，第三種是由數學方程式在電腦上具現出來的聲響．前兩種的運用可稱作具象音樂，第三種便是電子原音音樂．

在CD冊子解說裡將曲子分成6個部分來介紹：
第1部分(0:00-6:33)
平緩安靜的開始,主要的聲音是來自金屬棒，在中段活耀了一陣之後在結尾又變回穩定．

第2部分(6:34-19:18)
音量與聲響的活動開始加強加大，樂器和更多噪音的聲響進來,並形成背景，襯托出穿插其間的電子原音聲響．

第3部分(19:19-25:00)
過渡態，聲音活動持續密集而穩定．更多種具象的聲響．

第4部分(25:00-32:54)
反應開始加劇並開始到了震耳欲聾的程度．這部分的聲音主要來自電子原音．

第5部分(32:55-40:16)
過渡態，劇烈的反應持續進行，但已經準備開始遲緩下來．

第6部分(40:16-final)
使用數種新的具象聲音素材來結束樂曲，最後只剩下第一部分出現的聲響一直持續著,直到靜默．

原始的作品是7聲道的磁帶，後來也陸續有了2個數位化的CD版本． Mode的版本是最新的重新混音版，由本身就是作曲家的Gerard Pape操刀． DVD裡除了有2聲道PCM音源之外，還有DB 5.1聲道與DTS的訊號．我是用耳機聽5.1聲道(downmix)與PCM音源的，相較於Auvidis的版本,感覺有較好的空間感，而且也較清晰細緻與較多的細節．

Alban Berg - 三首管絃小品

2008-01-25T21:57:00.000Z

身為20世紀初以Mahler為精神導師的新維也納樂派作曲家之一，相較於他的老師Schonberg在早期作品中顯露出隱約的性沉迷與隨之而來的恐慌與憂鬱，以及同儕Webern精神衰弱般的弱語呢喃，Berg的音樂似乎在聽覺與精神衛生上就顯得較"健康"得多，且有著更多直接向Mahler效法以及被影響的痕跡．除了以Mahler"大地之歌"幾乎完全相同的編制所撰寫的管絃歌曲"阿登貝格歌曲集 op.4"之外，3年之後的"三首管絃小品"仍採用Mahler的"第6號交響曲"完全相同的樂器編制，甚至當中的第3曲"行進曲"就有著與"第6號交響曲"終樂章一樣的3次擊倒英雄的巨槌聲響．

融合著Schonberg的教導與影響，這首作品聽來就猶如Schonberg的"五首管絃小品"與Mahler的"第九號交響曲"的綜合體 (Adorno語調)．整個樂曲裡面充斥著意欲推展到極限的噪音與不協和音程，片段迷離朦朧的弦律與動機行進夾雜其間，最後樂曲三次粗暴的敲擊猶如極力擊碎所有樂音而直至世界的最深處，濺灑出燃燒著恐怖與虛無的深淵之火．(...或許在觀看現場演奏時更能從視覺上的效果感受得到其震撼，因為槌音是與和弦合奏一同出現的，光聽CD 不是很容易分辨出來．) Mahler交響曲裡的噪音在這個永恆夢靨中獲得了實體，在驅使軍隊行進的節奏中，恣意地凌虐踐踏花園裡符合文化規範,且受到仔細維護的精巧事物．就如同"微笑吸血鬼"裡的吸血鬼們，擺脫了人世間一切道德與教條束縛與感官的限制，獲得了超人力量與禁忌的娛悅，但換來的代價反而是不死身特質所蘊含的虛無與不安，以及至上歡娛而來的加速老化．解放後的不協和音，放野望去，等待它們的是無盡荒原與嬰兒受竊而憤怒異常的人們．

"...啊呀?!
這是啥
這道光芒

感覺好像就在腦袋中綻放出花朵似的"
--丸尾末廣 "微笑吸血鬼"第2冊

(推薦飲用: Berg: Pieces Orchestra/Early Songs - Abbado/WPO - DG 445 846-2)

Luciano Berio - Coro

2008-01-25T21:49:00.000Z

今年(2005)的BBC PROMS音樂節有一場由London Sinfonietta和London Sinfonietta Voices演奏Berio(1925-2003)的作品"Coro"，用以紀念這位義大利作曲家的80歲冥誕．不過這首作品所隠含的政治涵義，對於獨裁政權的控訴，或許是這首作品受選的另一因素．至少在節目單上就直接配上Picasso著名的控訴法西斯與西班牙內戰的壁畫"Guernica" ，更加襯托出節目單簡介上欲強調這首作品政治內涵的企圖．

這首作品引用了相當多民族歌謠的歌詞，歌詞的主題多為描繪愛情，死亡與勞役．．．等，這些歌詞片段間反覆著智利詩人Neruda的一段令人不安的詩句，同樣嚴厲地指責1936年的西班牙內戰,"Come and see the blood in the streets(請來看街上的血吧!)". 這段詩句在整個作品中自一開頭便不時被反覆出現於各歌謠歌詞片段間，猶如以蒙太奇的方式來加深與強化此詩句的意涵與地位，直至文本最後，整段詩句才逐漸現出原貌：

你們將會問:你的詩為什麼不告訴我們

夢或著樹葉，不告訴我們

你家鄉偉大的火山？

請來看街上的血吧！

請來看

街上的血，

請來看街上的

血！

引自＂我述說一些事情＂／聶魯達詩精選集(桂冠)

而在＂我述說一些事情＂這首詩中，在這段被引用的詩句之前的段落便已直接控訴著西班牙的獨裁者佛朗哥：

賣國的

將軍們：

注視著我的死屋，

注視著破裂的西班牙：

不過音樂上則是出乎意料之外，"Coro"盡管採用這麼多不同民族歌謠的歌詞，但在音樂素材上Berio卻只用了一段來自克羅埃西亞的旋律．相較於他的其他作品"Voci"和"Folk Songs"中的廣泛地運用民謠旋律，相反的在此他則是把各民族音樂的各種不同音樂技巧運用進作品之中，最特殊的例子或許是他運用中非音樂中一種叫做 "hocketing"的技巧:每個樂器各自演奏一個單音,但是以一種非常複雜但有組織的節奏模式，於是整體效果給人一種歡娛的極度騷亂．或許在此作品中若在音樂中廣泛運用民謠旋律便會模糊與打散了在整個歌詞中意欲強調的概念，尤其在每次"Come ．．．" 出現時必搭配的極端不協和猶如哀嚎般樂團總奏的顫慄氣氛之下．

在編制上"Coro"需要40名歌者與40把樂器演奏旋律，加上鋼琴，電管風琴與兩個打擊樂組．在實際演奏上，每位歌者搭配一名樂器演奏者兩兩一組坐在一起，然後集體發出"合唱"．在演奏時，有時會是合唱對樂團，有時變成好幾個室內樂團，有時則是變成各個歌者與樂器的二重奏．Berio將這84名樂手在台上如此配置，有如讓台上相異位置的樂團們相互作用與影響的手法，除了猶如再現他在1950年的作品中所嘗試的聲響空間實驗之外，Berio自述此猶如計畫一個想像都市，藉由產生，組合，統合不同事與人，給予他們共同與個別的特性，他們的間隔，他們的關係與衝突，而使其具現在不同的層次上．（．．．好熟悉的調調啊．．．）當中諧音的層次，它構成作品的基礎並有如漸次改變的景觀，產生於其中的音樂事件便有如在城市的諧音城牆上的塗鴉．而"Coro"的歌詞則有兩個相異與互補的層次，一個是由歌誦愛與工作的民謠歌詞建構出來的，另一個則是敘事詩般的，以Neruda關懷一般大眾，歌誦著愛恨與勞工的血汗的觀點的詩作．

所以雖然"Coro"看似隱含著上述的政治意涵，但是從Berio的想法可以看出他想要強調的不單單只是所引用的Neruda詩作中的政治意涵，而是還有對於身受苦難的民族與民眾的深刻關懷，如同Neruda在＂地上的居住＂詩集開始轉變成以一般民眾為對象的詩風．另外有趣的是，在amazon的顧客評論中，有人提到此作(1975-6)"正好"就完成於在智利1973年由美國資助的Pinochet以政變推翻民選總統Allende並開始其血腥獨裁統治之後，當中涵義只能說是深遠異常．我只是很訝異BBC好死不死就挑有背刺的這首作品，還是他們反正就裝傻，反正虐囚是美國人最多，音樂歸音樂，政治歸政治．

編譯自：bbc節目單,DG的CD小冊,聶魯達詩精選集(桂冠)

Bruckner第5號交響曲 - Karajan指揮維也納交響樂團

2008-01-25T21:45:00.000Z

"...我們之間是否存在著一些誤會呢?..."

...以往每當困厄妄念煩擾著心思,而感到緊張與不安之時,總會習慣性地想到翻出這張錄音來聆聽. 樂音中所散發出來嚴肅而又和藹慈祥的諄諄善誘,是很難讓人拒絕服順於這溫暖雙手的溫柔輕撫的. 不知不覺的,這張CD就陪伴了我將近8個年頭. 但在隨著幾次困難挫敗的經歷之後,常自以為孤僻幼稚的心智已有所成長,但是緊接著而來的新挑戰卻馬上將這所剩無幾的自信心輕易地擊碎,使心中徒留著過往虛度光陰逃避成長的悔恨. 此時內心只不過是在盼望著音樂有如自來水般能隨時提供慈父般的安慰,儘管現在明白了這只是另一種顧影自憐. 樂曲中旋律與和絃終究只是自顧自的行進,自知心中的愁苦是無處宣洩只好一笑置之....

私心盼望著一切終能解決,所以依附徘徊於有如儀式般的音樂,嘴角卻帶著一抹苦笑,畢竟也曉得了凡事不全能盡如人意. 在與樂曲單方向的誤會之中,看清了自己只是對著不切實際的幻想一廂情願,但是最終確定我似乎是聽懂了,音樂唯一告訴了我的是,"走下去,請繼續不斷的走下去,這條漫漫長路."

耽溺於地中海的憂鬱與幻影之中......安達魯西亞音樂掠影

2008-01-25T21:19:00.000Z

(位於安達魯西亞的Granada城內La-Alhambra宮一景)

"...在半夜中驟然醒來,夾帶著半夢半醒間模糊的記憶與昏熱頭漲的餘緒,猶如大病初癒般,拖著步伐試圖摸索著走出房間. 在月光餘暉下沿著自窗外遠處所飄來的細微歌聲,音樂與歡笑聲的蹤跡探尋著. 漫步於阿拉伯式建築的宅第之中,最後我走到了庭園外側的迴廊..."

Aynadamar

這張專輯收錄的是安達魯西亞的傳統歌謠,包含阿拉伯人統治時期以當時的西班牙語演唱的情歌詩詞jarcha,與當時居住於此地的猶太人的 Sephardic歌謠(採集自摩洛哥與土耳其). 由歌手Aurora Moreno與吉他手兼作曲家Esteban Valdivieso合作將這些數世紀前的詩詞重新譜曲或編曲,賦予新生命. 因此在安達魯西亞的餘音之中,除了帶有地中海的氣息之外,還有些許佛朗明哥的味道,而增添了新的風味.

Aynadamar為灌溉水道名,位於安達魯西亞的Granada,在當時以此水道將泉水引至果園與花園庭院等處,為這個滿佈大宅院,清真寺與高聳的防禦工事的城市景觀提供了無數綠意. 使得Aynadamar這個字被賦予代表此處美麗景致的詩意.

專輯與歌手Aurora Moreno英文簡介

mp3試聽: 第五首, 第11首
Atifa-Oumi - El Sikameya

相較於上一張介紹專輯的古典風格,這一張El Sikameya與他的團的是較流行與更加融合的曲風,一樣是我最喜歡的專輯之一.

UnDertone的中文簡介

 BBC的英文簡介
- 點選文章開頭的"Listen to the gig"有整場演奏會實況.
Jardin de Al-Andalus (The Garden of Al-Andalus)

收錄發源自中世紀西班牙南部Seville而後流傳至中東的詩曲moaxajas,與流傳至北非突尼西亞的傳統樂曲Maluf. CD中Ud琴演奏挑大樑,相當動聽迷人;人聲演唱散發十足的蠱惑氣息.

兩首mp3試聽:

Uaddaáuni - Console me at dawn, my dears!

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Console me my dears, for God's sake,
Bury me when the dawn breaks.
Oh, oh!

Sad is my fate, said Fatima
Sad is my fate, bemoaned Fatima.
Oh, oh!

.........

Bashraf samaï sika (instr.)

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EXILS(北非行路遙)

2004金馬影展影片簡介

推薦這部值得一看的電影,我個人到是還蠻喜歡的,音樂好聽,男主角帥,節奏流暢. 男女主角自法國,西班牙到阿爾及利亞的巡根之旅與沿途的音樂巡禮相輔相成,缺乏的深度就其實已經沒有什麼好苛求了,畢竟他是部音樂電影啊.

鋼琴五重奏

2007-06-03T20:29:00.000+01:00

．．．．．．儘管從未能自這個將心事壓心裡的作曲家室內樂作品中獲得共鳴，鋼琴五重奏的動機流轉與深刻旋律中所宣洩的情緒還是深深受其吸引，就是單純地享受沉溺於化解不開的思緒當中．來自布達佩斯的TAKACS弦樂四重奏在倫敦的一場演奏會下半場，以此首為壓軸，第一與第二小提琴手猶如脫韁野馬般地任性狂飆奔馳，就像興奮的小孩盡情自由地宣洩無法化為言語的情感，幾近災難般快要逼近裂解邊緣的合奏與奔放造就非現實與迷幻的幻覺．．．

開始想念起以往一直聆聽的布達佩斯弦樂四重奏版本，以及能空虛地消磨毫無原由的不解與內在衝突的平穩時光．

Avant Garde Project

2007-04-08T23:25:00.000+01:00

網站連結

這個網站提供了20世紀各種前衛音樂的絕版唱片試聽,包羅萬象.

不知從何開始的話可從editor's choice建議的曲單開始聆聽.

Shostakovich's 4th Symphony 5

2007-02-25T01:42:00.001Z

Montreal一遊

2007-01-28T00:15:00.000Z

因緣際會,這次聖誕假期到了Montreal一趟. Montreal也是加拿大作曲家Claude Vivier的出生地,雖然這次沒有太多時間去追尋他在這城市的遺留足跡或關於他的紀錄與資料. 唯一想到的是在他dvd的紀錄影片裡,他的密友提到對她來說,在他的作品Zipangu中,可以聽到流經Montreal的聖勞倫斯河所散發的冷冽與孤獨.......

好久沒更新了....簡介一些最近購入的dvd和cd

2007-01-27T23:45:00.000Z

1. Gunter Wand Edition Vol.1 [DVD]

在Montreal 的HMV買的,事後有點後悔應該在網路上買才比較便宜. 目前只看了第6與第9號交響曲的dvd,第6號的是98年的演出,Wand看來雖來已經很老了,不過指揮動作和指示都還有作出來. 到了01年的第9,已經是幾乎不能動彈的樣子了,讓人回想台北愛樂的指揮梅哲,在他去世前幾年音樂會的姿態.

2. Takacs Quartet - Bartok: String Quartets Nos. 2, 3, 4 and 6 [DVD] / : Takacs Quartet - Schubert: Death Of A Maiden, Etc. [DVD] Takacs Quartet

是我聽了他們的Bartok弦樂四重奏專輯才曉得的團體,但也立即愛上了他們的演奏風格. 在Bartok的弦樂四重奏的演奏中,不但夠暴力,也展現了也有如詩如歌的吟唱,以及迷幻多變的音色. 於是後來我又陸續買了他們的貝多芬弦樂四重奏全集. 這次的dvd發行對於一個fan來說應該是件最幸福的事了,而且dvd製作得很好,除了曲目演奏之外,也有團員的訪談片段. 不過看完dvd之後,才發現或許Bartok的弦樂四重奏會比較適合單只聆聽才好,這樣才能注意到逐漸在心中相應顯現的無形事物.

3. Bernstein Conducts Bruckner [DVD]

呼呼呼....這該怎麼形容呢....

4. Orient-Occident 1200-1780 [SACD] [Audio CD] Hesperion XXI; Savall

收錄了包含基督教,猶太教,回教,從中世紀義大利到摩洛哥,以色列,阿富汗,奧圖曼土耳其帝國的音樂. 相較於同樣致力於西班牙早期音樂的Eduard Paniagua,Savall帶團的演奏與詮釋比較具有古典的風格.

這張專輯不只引領我們神遊於中世紀時隸屬於不同宗教的文化,國度與子民們的風土民情,同時這時期也正由於歷次十字軍東征的興起,因而不但低迴著人類貪婪且相互殺閥競爭的本質並且開始在文化,社會體制與思想上相互衝擊與影響的遺風. 但更深遠的含意在於Savall親自撰寫的解說內文中所提到的,這張東西方文化交會的概念專輯製作起源於為了尋求一帖良藥,針對當今阿富汗戰爭之後隨之而來文明間的急轉激烈衝突,藉由分享中世紀這個時期不同文化與地區反映著人們情緒與思念的音樂,以古鑑今,提醒著西方自古我們就已經需為種下的仇視異己與冷血殘酷所負責. 作家Amin Maalouf則藉短文提到藉由各種對話消弭隔閡與開放文化之間的交流,而不是故步自封,而這正是藝術自始便擔負的使命.

5. Pierre Boulez - Le Domaine Musical Vol.1 and 2

Pierre Boulez在1954年的巴黎Petit Marigny Theatre開啟了一系列由他成軍的Domaine Musical音樂會,專門演奏當時的前衛音樂與新維也納樂派的音樂. Boulez早期在德國Donaueschingen與Darmstadt的時候與一堆魔頭共事與交流的經驗使他在巴黎猶如前衛音樂的傳教者,尤其還敢推廣死對頭的德語系音樂.

儘管招致不少毀謗,但這長達12年的音樂會系列,最後不但成為當代音樂的橋頭堡,也成為他往後指揮事業的起點. 雖然是早期錄音,但是音質卻還相當清晰,Boulez精確冷靜的指揮也使得這些反映著戰後氣氛與思維的音樂各自閃耀著獨特的光芒與脈動.

網站MUSICWEB的評論與簡介

6. The Schönberg Ensemble Edition

預定購入..........

又是新的一年 - April in Paris

2007-01-03T14:36:00.000Z

July - December 2004

2005-12-18T09:51:00.000Z

兩張越南傳統音樂的專輯(一)

越南的歷史和文化,甚至語言一向受到北方中國很大的影響,而音樂也不例外,除了樂器原型幾乎皆來自中國,也是用五聲音階,曲調旋律許多聽起來也和中國的樂曲類似. 不過越南音樂也吸收了些印度音樂的元素,例如越南音樂特色中的即興與裝飾奏的風格.而在近代與西方文化接觸與成為法國殖民地之後,自然也受到西方音樂的影響,像是一些合奏曲的配器與編曲很明顯地聽起來就是有運用到西方音樂的樂理.

The Music of Vietnam, Vol. 1.2

這張是在38度C入手的.原本是要找這廠牌出的亞美尼亞音樂專輯,不過也順便連柬埔寨的甘美朗音樂一起結帳了.這一張收錄的有宗教儀式的音樂,民間傳統音樂,器樂合奏曲與戲曲音樂.而在CD小冊的前言,提到這套系列的誕生是希望能藉由世界語言,音樂,增進愚昧與無知的米國對越南的認識,進而促進兩國的友好.然後在解說開頭,又再狗幹西方與米國人一頓,看了不免苦笑...

可能是我太大驚小怪了,但是這一張實在好聽到讓人不可置信,每一首(不誇張)都相當動聽,尤其是最後一首,連神靈都會動容啊!!!這種聽起來明明就是中國音樂,卻又飽含"異國"色彩的調調,可說是最吸引我的地方,為最近聽最多次的CD之一.

著迷於詭異的東西... Dernd Alois Zimmermann - Die Soldaten

這一齣歌劇的DVD其實約在兩年前就入手了,不過內容實在不輕鬆,一直到今天才一股作氣的把它看完. 雖然Bernd Alos Zimmermann的音樂一向不甚討喜,不過偏執,粗暴,濃厚和不穩定的特質倒使得這齣歌劇散發異樣的光彩,當然舞台設計與視覺效果也是功不可沒. 劇情中貴族軍官勾搭引誘女主角Marie到後來"玩"壞她,以及劇末所有人皆深陷士兵步伐聲的地獄之中,被某種程度上隱喻個人意識盲從於集體意識與受到無止境的侵害,在歌劇中更直指軍國主義與德國自己的文化傳統就是元兇之一(借自顏涵銳先生評論一段). 從結局來看,Zimmermann對人性的看法是非常悲觀且無解的,也使得整個歌劇壟罩在非常高壓的氣氛. 相較之下,有能用鼓聲大亂納粹集會的幽默性的小說"錫鼓"似乎較能獲得更多的共鳴.

德國戰後音樂50年 (裏心得)

原先是只打算就收前兩套管絃作品,因為裏頭收錄的不少曲目都是選粹而已,實在有違CD收藏的潔癖. 不過在聽完兩套管弦音樂作品之後,驚艷之餘,已經在認真考慮要收Konzertmusik底下其他幾套作品集了.看來開始需要和佳佳訂片的林小姐打好交情了嗎...?

儘管是選粹,不過曲目相當的多樣化且讓人驚喜. 這些曲子裡,除了有一貫學院派孤高的氣息之外,也有睡夢中也依稀可聞,猶如自地獄傳來的混沌聲響,及全然無調性,荀伯格般緊張,粗暴而狂熱式的抽慉,到極端壓抑,孤僻而寥寥數語的沉默,與聽似一板一眼卻猶如在虛無廢墟間漫步的腳步聲;當然也有保有古典浪漫遺風與結構的管絃作品,但卻讓人頓失時間感,惘然失措. 其實曲目單裡有許多並不是德國裔的作曲家,不過整體呈現出來的卻似乎巧妙地拼貼出德國與德國人的精神狀態,儘管我不清楚為什麼會如此的空虛與壓抑,或許也有可能我受到CD封面照片中德國建築物不少的影響.

另外認識到Hartmann,Henze,Schenker,Isang Yun等的音樂,是聆聽這套專輯的收穫之一,Hartmann口味很重,值得一試. Henze的音樂也是讓人意外,聽起來有如Malher第十號交響曲的餘響. 妙的是記憶中以前Hartmann,Henze和Isang Yun的唱片幾乎都還很齊全的分別堆積在台北市幾家唱片店的cd架上,猶如無人聞問,標示著消逝之地的塵封地圖集.

幾張越南音樂的CD(二)

幾個介紹越南音樂的文章網址:

越南音樂與中國音樂有何不同

越南音樂

An Introduction to Vietnamese Music

下面兩張CD皆是越南南方的傳統音樂,稱作"don ca tai tu",在以往是提供民眾休閒娛樂用的. 一般都把它翻作"amateur music",但實際上都是由專業或半專業的音樂家來演奏. 而其原意指的是有才氣或天才般的演奏,意謂不論背景與地位,只要樂師有能力就能加入樂師們各自形成的圈子中. 而此多少反映了早期越南南方不但有原住民,陸續也有自中北部遷徙的越南居民與避難至此的中國福建與廣州人,相互交流與融合之後,舊有傳統的急速改變與適應,以及新秩序與文化的形成. 隨著之後流行音樂與自宮廷流傳下來的曲牌相結合,樂師們自我的創新,也接著促成在20世紀初南越新的戲劇音樂(HAT CAI LUONG)的興盛.而這個樂種至今已成為南越音樂的珍寶.(第一張CD的小冊簡介)

但nguyen vinh bao也提到在現今西方音樂的入侵與影響之下,傳統音樂已經離越南人的日常生活越來越遠,儘管仍有許多音樂家致力保存這項音樂遺產. 最後也將成為如同亞洲與非洲其他地方的音樂藝術一樣,漸漸死去.(第二張CD的小冊簡介)

南越的"amateur music",或許多數西方人聽起來覺得跟一般的中國音樂差不多,不過要是拿給中國人或台灣人聽,我想大多數都會覺得是"走調"或甚至"無調"的中國音樂. 坦白說一開始我也是有點難以接受,不過其自由即興的風格還是吸引我耐著性子多聽了幾次,不得不說有著不可言喻的後勁.

比較起來,之前介紹的"the music of wietnam vol 1.2"的樂手則都是來自北越的河內(Hanoi)的樂手,許多合奏音樂,聽起來應該都是宮廷音樂的曲子(儘管CD冊子上沒寫),與一般我們熟悉的中國音樂相差無幾.

1. Tai Tu Nam Bo: Saigon Masters of Trad Music

wergo出版.集合老青兩代4位樂師的演出.

2. nguyen vinh bao ensemble

ocora出版. 高齡80多歲的nguyen vinh bao精通多項樂器,會自己製作樂器,也是當今最好的dan tranh(多弦琴)演奏家,可說是越南傳統音樂的象徵之一.

第6號弦樂四重奏

以前在看"家變"的時候,曾偶然的的把這個曲子作為背景音樂. 之後便一直對這兩個作品偶然契合的共鳴念念不忘,不僅是因為對於小說中對於家庭結構的探討有著很深的感觸,音樂中散發出極端的憂鬱,也讓人幾乎無法自拔.

不過從作曲背景來看,在譜曲之時,作曲家正面臨的是母親重病與世界即將陷入大戰的精神折磨,與小說中幾乎與父母決裂的憎恨與厭惡還是有基本的差異. 不過或許在憂鬱氣氛中包含些許的悔恨與自責感,正與小說中主角對於幼年時光的回憶相互應和著. 或許我們可以再牽強地比較,在曲式分析中形容的,曲中的拱形結構,由於時間與憂愁而形如枯槁,失去了昔日(第4號與第5號)的生氣與活力,最後猶如是參加自己喪禮的一位不速之客,與小說中的父親有著讓人訝異的重疊印象. 當然小說與音樂中獨特的自創詞彙與架構都對讀者或聽眾構成了相當大的挑戰,可能是無數相異之中另一個些微相似之處.

Zoltan Szekely的Hungarian String Quartet與Sandor Vegh的Vegh Quartet對於這一首作品的詮釋是我個人最喜歡的演奏,在這首比較回歸到弦律性,"比較"不搞暴力的作品還是由那個世代的演奏家來詮釋才會比較有味道,尤其在第2與3樂章的民謠素材的處理,以及第4樂章的氣氛.

10/21 Les Percussions de Strasbourg音樂會

如果我記得沒錯的話,前幾年LPS就曾經來過兩次,很可惜由於個人過於懶散的性格,而沒有參加那兩次的音樂會. 而這一次的音樂會曲目,除了兩位法國作曲家Pilippe Leroux和Andre的曲子"De la vitesse"(速度論)與"Tempus perfectum"(完美的節拍)之外,也仍包含招牌曲目Xenakis的"Pleiades"(星群). 或許是友善的價位與幾次來台所培養出的人氣,這一場音樂會的人數己幾乎達到8成以上,讓人頗感意外.

第一首曲目"速度論",自節目單上的簡介來看,作曲家意圖在此結合兩種聆聽與接收音樂的方式:'書寫',關於圖像的空間配置,與探索強調關於強調作品推論性的面向. 與全然相反的,屬於連續聲響的執行,此主導關於材質的概念,與提供另一種引人沉思的聲音性質. 自然從演出結果來看,作品猶如一種抽象的聲音雕塑,演奏者有時會以實驗性或另類的方式演奏樂器,例如敲擊置於水中的樂器,或是用鈸擊地,或是演奏者本身也被當作樂器,例如拍打自己身體與喊叫. 有時似乎只是純然展現演奏者的動作,例如正因"不正常地"使用樂器而幾乎無聲的演奏者的姿態,與不斷的移位,或甚至在演奏後半,走至觀眾席並演奏樂器,猶如把字寫在格子外的行為. 另外除了音響效果之外,作曲家應該也有兼顧到曲子整體架構,不過這我就聽不出來了. 作曲家在簡介中提到如此的結合關係或許可比擬於粘土質材與楔形文字之間的奇妙關係,自然我們也可以想到另一個極佳的範例,中國的書法藝術. 我不由得聯想到幾個月前所看的,Laetitia Sonami的演奏(請參看前文May. 21st, 2004),她的表演直覺上,似乎更讓人能感覺到這種結合關係的存在. 簡介最後,作曲家提到在"速度論",他想作的是屬於聲音的寫作,顯然前面提到Sonami的表演似乎也可歸為一種聲音的寫作,不過相較之下"速度論"中著重的是聲音材質的內秉與有著更加哲學上的思維與辯證.

第二首曲目"完美的節拍",我完全不知道他在幹嘛.

下半場壓軸的是第三首曲目"星群".這個作品最大的特點之一或許就是Xenakis為此創造的樂器sixxen,所發出猶如甘美朗的聲響了.另外就是曲子中特別設計節奏反覆行成的交錯,刻意不一致的演奏,所形成的樂音叢集或是"星雲",猶如電子音樂中的"顆粒合成"效果. 作品分成四個樂章,第一樂章由sixxen起頭,而後交互演奏鼓套與馬林巴琴、木琴或電顫琴. 第二樂章演奏金屬材質樂器(sixxen),第三樂章演奏木質樂器(馬林巴琴、木琴等),最後第四樂章演奏皮質樂器(各類鼓). Strasbourg團六位團員超人般的教巧與無比默契在此首作品展現無疑,演奏完畢,觀眾皆幾乎報以最熱烈的掌聲,除了作品本身之外,團員六人行雲流水般的演奏姿態,無疑地也擄獲了觀眾的感官. 對於一首當代音樂作品的演奏來說,這樣的場景似乎並不常見到,或許"當作品完成之後,就讓音樂自己來說話"還是大多數人比較容易接受的方式. 儘管可能由於音樂廳本身的問題,使得樂器聲音聽起來模糊而沒有CD中乾淨而寧靜的氣氛,CD中第二樂章sixxen所發出的泛音效果,在現場就似乎也不是那麼引人注意(雖然我得承認我是回家之後,聆聽已經好久沒聽的CD才發現的).

金馬影展影片極簡心得...part2
五道電影難題
The Five Obstructions http://www.goldenhorse.org.tw/2004/program_4.php?m_id=325&ln=

完人的跳躍XDXDXD

當拉斯馮提爾在第一個難題中下的限制包含每一個剪接不得超過12格時,我心裡就想著真的還假的,我有沒有看錯?!不過當約根萊斯完成的影片撥出後,現場的觀眾才曉得這兩個人是玩真的,而且約根萊斯高超的手腕使得這個限制反而成了送分題. 之後拉斯提出的刁鑽的限制,更多集中在試圖要讓約根萊斯在影片中洩露出自己的感情,以作為對拍攝的主客體關係作更一步的關注(呃...應該是吧...?) (或是更直接的,約根萊斯說的,拉斯對於苦無機會向他請教的一種惱羞成怒...).而約根萊斯精采而優雅的反擊,願意與這個"壞小子"瞎攪和的氣度, 以及當然兩人一直保持不斷創新的態度,贏得電影撥畢後大家熱烈的鼓掌.

熱帶幻夢 ( Tropical Malady )

http://www.goldenhorse.org.tw/2004/program_4.php?m_id=310&ln=

影評:http://www.goldenhorse.org.tw/2004/news_1.php?id=134&ln=ch

最困惑難解的地方,很明顯的是導演在開頭可愛的愛情故事之後,突然接了一個幾乎完全沒有相關性的神話故事現代版,而且顯然和前一段來比可以說是隱晦至極. 電影開頭片段的文字說著每個人心中都有一頭野獸,我們得想辦法與牠交談,訓伏牠,那麼這個表現主義味道極重的暗夜叢林尋白虎精記,是否在呼應片頭之外,還有其他更深而難以意喻的涵義呢. 我的偏執的小腦袋只聯想得到Schoenberg所寫的表現派風格歌劇"期待",內容大致也是一個女子在深夜中進入森林尋找他的情人.不過在電影中,配樂的不是無調與神經質的管弦樂,而是叢林中無止境的蟲鳴,正猶如夜深人靜時的耳鳴聲. 不過歌劇中的女子一步步接近的是真實的瘋狂,而電影中的獵人卻似乎最後找到瘋狂中的真實. 叢林的拍攝與蟲鳴音效都很仔細,導演看來不只很敢,而且是認真的. 而我也只有簡單一句話:I buy it. 期待導演阿比查邦衛拉希沙可下一部電影.

January to June 2004

2005-11-13T08:40:00.000Z

Cornelius Cardew.Piano Music 1959-1970 / John Tilbury

英國作曲家Cornelius Cardew(1939-1981),曾師事Stockhausen,而後受到美國作曲家Cage,Feldman,LaMonte Young等的影響,採用不準確與機率的手法與思想來寫作.另外在學院派的圈子中,是少數表現出強烈政治傾向(反美反蘇反英)的作曲家.不過這張專輯所收錄的作品,都是他在投入政治運動,而寫作較為入世的作品以期宣揚政治理念前,以實驗性的手法所寫作的鋼琴作品.

Giacinto Scelsi - Canti del Capricorno (摩羯座之歌)

義大利作曲家Giacinto Scelsi(1915 - 1982),近來最受其作品中聽似簡單但卻又神秘難解的內涵所深深吸引著. 目前在所有他作品的錄音當中,最感到驚駭的,除了由作曲家密友之一Joelle Leandre演奏人聲加料版的低音大提琴獨奏'Maknongan'之外,就是這首"摩羯座之歌"了.
這個作品共有19個片段,裡頭大部分是只有演唱者solo,或有幾個片段搭配著薩克斯風或打擊樂器(如日本的太鼓)等伴奏.而演唱者與樂器在每個片段裡僅演唱或奏著單單數個音高,但演唱者被要求著高難度的演唱技巧或口技,當中除了要演唱微音之外,還要發出如吐瓦喉音般的雙音.可能我們會不由得聯想到同樣是超高難度的人聲作品,Berio的Sequensza III,不過相較之下,這首作品散發著更為黑暗渾沌的特質,猶如上古女巫持掌著密儀的姿態.
在這張錄音裡演唱的聲樂家是平山美智子,亦為作曲家的密友,當年便是作曲家因為曾聽到她演唱有微音的日本古民謠,便主動找她來演唱他的作品.另外在廠牌Montaigne也有她和Arditti Quartet合作的'Khoom',也是首綺麗的特異之作.

黛敏郎 - 涅槃交響曲

日本作曲家黛敏郎(1929-1997)出生於橫濱,在日本完成大學學業,並接著留學法國繼續學習作曲.而後回到日本引領當時的日本當代音樂活動. 黛敏郎本身也作過相當多的電影配樂.
涅槃交響曲是黛敏郎1957-58年所寫的作品.這時候也是他開始研究日本傳統音樂的時期.儘管他也曾寫作過電子音樂(其作品便是拿鐘聲作分析),但在這裡對著傳統的西方與東方樂器的聲響當中,具備的豐富複雜的波形結構與泛音比例具有更深的興趣與探究趣味.配器中包含日本寺廟所使用的鍾,來自黛敏郎本身便對鍾聲有著相當深的迷戀,其聲響在此豐富作品整體聲響,也在作曲家心目中有著涅槃象徵的體現.曲子裡也加入了佛經唸誦與'聲明',除了其聲響與節奏效果之外,也來自作曲家在宗教上的興味與自身追求其神秘的熱衷.

丹波明 - 作品選

丹波明(1932-)這位日本作曲家,意外的在網路上幾乎找不到關於他的資料,大多找到的是法文的資訊,可能因為他是留法的關係. 從模糊的LP封底scan上的法文簡介(我不懂法文啊...),只能大概曉得他是梅湘的學生. 這張所收錄的作品聽起來,都比較受當年的歐洲前衛作曲技法影響的樣子,幾乎沒有日本音樂的色彩.感覺偏向當年Penderecki所寫的音樂,音樂色彩豐富,內容騷亂瘋狂,一張讓人相當印象深刻的專輯.

Giacinto Scelsi / Joelle Leandre - Okanagon (hat ART CD 6124)

這張可說是引領我進入Giacinto Scelsi的音樂的專輯之一.去年能在誠品音樂館翻到這張cd後,便一直想寫些心得或介紹,結果一直拖到現在.Giacinto Scelsi這個人的確非常神秘,在某個介紹網站上說他還不許別人拍他的相(儘管某張Kairos的Scelsi作品cd裡就有他的照片...),據稱曾旅行過印度,尼泊爾等地,但是就算是長期跟隨他的好友平山美智子,對此也抱持著懷疑的態度.而他的音樂理念與作品,也是常常看起來所具有的神秘玄妙的直覺感知遠大於理性邏輯思維.他的微音程作品並不如印度音樂般細嫩甘涼,而是常帶有隱晦心理狀態的解放感,當中還參雜了些許苦澀.許多他的器樂獨奏作品,多帶有極大的即興風格,其原因可能這也是來自創作時便是與這些密友們討論與即興創作演奏出來的.於是這也使得hat廠牌出版的這幾張由他密友們所演奏的cd們顯得更加的珍貴.cd裡的第一首是由Joelle Leandre演奏低音大提琴的Maknongan,在琴聲中搭配著演奏者不時痛苦的吶喊.其他的管樂獨奏作品如Tre pezzi等有著作曲家明顯的風格,在有限音符起伏中營造出有如複音音樂的效果.倒數第二首Okanagon或許可說是此張cd的壓軸,當中粗曠而暴力的聲響來自以直接原始的方式敲打,撥彈著銅鑼,豎琴與低音大提琴,與作品的副標題'the heartbeat of the earth'相互呼應著.最後一首低音大提琴獨奏Mantram,是首旋律優美的甜美小品,溫柔地將聽眾自之前,幾十分鐘幽暗的心理狀態探索旅程中喚回現實世界來.

Electronics and Percussion - Five Realizations by Max Neuhaus

五闕電子樂與打擊樂的具現化

Earle Brown: Four Systems - For Four Amplified Cymbals
在總譜上有的只是不同長度與粗細的水平線而已. 而這些水平線傾依的許多相異平面們,相互疊合形成不同的模式. 在演奏之中,我會讓我在這些嚴格限制的模式之中找出有趣或相對應的組合,有如即興演奏.

Morton Feldman: The King of Denmark
這首作品從頭到尾皆使用手指來演奏. 因為是如此的輕柔,使得大多數Feldman的音樂有如在pianissimo(極弱)與piano(弱)間的區域用著放大鏡觀看般,我們發現了許多前所未見的事物.

Sylvano Bussotti: Coeur Pour Batteur - Positively Yes
這首作品的總譜看起來像是一幅畫,而上面標著指示敲擊法,長度,強度,音高,閱讀方向...等等的符號. 演奏者將總譜放大4倍,再剪成小塊,然後再拼貼成所需的演奏譜.

Karlheinz Stockhausen: No. 9 Zyklus For Percussionist - a spontaneous version, counter-clockwise總譜上嚴格限制音符強度,演奏的樂器,音高與長度. 樂譜以圓環的方式訂在一起,演奏者可從任意一頁開始演奏,並由當初決定樂譜排列的方式,依順時鐘或逆時鐘的方式閱讀樂譜並隨之移動演奏樂器.

John Cage: Fontana Mix - Feed
"Feed"是Max Neuhaus以Cage的作品"Fontana Mix"為操作素材的作品. 在"Feed"中利用回饋的概念來產生聲響. 基本原理是將接觸式麥克風按在打擊樂器上,然後樂器前放置揚聲器,一開始麥克風收集環境聲響,然後經由放大供給揚聲器,於是接下來便形成回饋迴路. 而實際演奏上會有4個如此的頻道架設. 由於參數影響之多與複雜(房間的音響性質,器材的架設位置,隨著演奏時間麥克風的位移...等等),使得作品在儘可能相同的初始條件下演奏第2次,仍會可能得到與第一次全然不同的結果.

網路廣播 Avondconcert

http://www.vpro.nl/programma/avondconcert/(荷蘭文看不懂...)這個節目專門播放古典,當代音樂的專題與現場音樂會轉撥,好像也有些早期音樂.更重要的是過期的節目有保留下來,目前看到2002年就已經眼花撩亂了. 強力推薦!!!推薦可從這幾場嚐鮮:

http://www.vpro.nl/programma/avondconcert/afleveringen/8241683/1. Gerard Grisey - Jour, contre-jour2. Isang Yun - Kammerkonzert I3. Salvatore Sciarrino - Lohengrin
http://www.vpro.nl/programma/avondconcert/afleveringen/3530181/1. Marc-Andre Dalbavie - Tactus (Nederlandse premiere)2. Regis Campo - Concert voor viool en ensemble3. Hugues Dufourt - Euclidian Abyss (Nederlandse premiere)4. Tristan Murail - L'Esprit des dunes (Nederlandse premiere)http://www.vpro.nl/programma/avondconcert/afleveringen/2483947/1. Ketiak - Akira Nishimura2. Portrait of Forest - Toshi Ichiyanagi (Thom van der Loo - marimba)3. Enlacage - Tokuhide Niimi4. Under the Umbrella - Jo Kondo5. Hierophonie V - Yoshihisa Taira

黛敏郎 - 曼荼羅交響曲

解說: 結城亨

曼荼羅在梵語中意指佛性,而一般所說的是有眾多菩薩居集而將之圖像化的形像曼荼羅. 恐怕作曲家黛敏郎是將這色彩豐腴的繪畫,與有眾多樂器形成合而為一音響世界的交響曲,逐漸地共響著相互疊合,而自然地浮現出作曲的構想的吧. 但是在這裡卻沒有關於佛教的或是具體教義的涵義在裡頭. 黛敏郎自己也這麼說著"正因為對象是關於思想這種抽象的素材,音樂中一切具體的音樂素材,像是經文等則不去用它,而是打算著達到預期想法中的,去嘗試建構只有純粹地聲響的集合體". 伴隨著"涅槃交響曲"中完成重要任務的獨唱與合唱(經文)便沒有被使用進去. 然後,這首作品的初演是在1960年3月的<三人之會>(團伊玖磨,芥川也寸志,黛敏郎)發表會之中,由岩城宏之指揮NHK交響樂團演出.

第一樂章:金剛界曼荼羅. 金剛界是佛(大日如來)智德之世界,此曼荼羅便是將這些以圖繪表現出來. 自打擊樂器的敲擊與鋼片琴的聲音開始,在長號的滑奏之中點描般的打擊樂器們相互混雜著行進,到了中間隨著自由速度讓動與靜激烈地對比而交錯下去. 在滑奏起伏之間,雙簧管等各式樂器編織出華麗的色彩. 不久單簧管吹出東方色彩的旋律而難得地出現有優美音調的樂段, 再次地混沌世界再現的最終,是象徵大日如來真理的梵鐘鳴響,低沉的持續音延伸至終結.
第二樂章:胎臟界曼荼羅. 胎臟界是好比是琢磨培育人類生而便有的佛性,有著如此教義的世界,與金剛界共同形成密教的二大世界. 曲子指定要"極端地緩慢",前樂章中的持續音仍反覆而延續著,小提琴的獨奏與鐘的加入,使神秘的淨土世界逐漸地開廣了起來. 長笛斷斷續續地模仿鳥兒的叫聲, 在中段,流動著的悠揚旋律,由於鋼琴與打擊樂器的加入,而逐漸激昂了起來. 不久鋼琴連續演奏琶音節奏,以大太鼓猶如崩解般的下降音型連擊為底,銅管的咆哮堆築出最高潮,最後由梵鐘的鳴鐘法(Campanology)無限空間中廣延而和緩地結束.

參考資料:
曼荼羅の世界http://butsuzo.cside.com/buddha/html/bmandara.html
黛敏郎の音楽日本の作曲家を聴くhttp://www003.upp.so-net.ne.jp/johakyu/

2005-09-16T14:23:00.000+01:00

Boulez - the Third Sonata (討論區話題曲(噓))

這首作品基本上還是用序列技巧寫作的,不過最特別的是, 裡頭包含五樂章ABCDE,"演奏者"可以決定AB是否順序對調,DE也是,而C一直保持中心位置,當然由今天角度來看這根本沒有什麼大不了的,且對比於同時期的'不確定'與'機率'概念,這種手法儘管比較偏向前者,但Boulez提到這首作品的出發點是來自於文學的角度,與概念來自於他最喜歡的詩人 Mallame的啟發,意欲形成概念上的'無窮'-多重的可能性,與'無盡'-永不終結(不僅止於時間性的)的作品.

ABCDE是已經由作曲家Boulez寫好的;所以這是首對演奏者'open'的作品;但另一方面來說,對聽眾來說並不算是'open'的,因為一次聽眾只能聽到一種版本,若下次他聽到另一種順序的版本,(由於序列音樂很難聽)他也很難辨別出版本的差異.

以下為全曲試聽(piano: Claude helffer / time: 11:30 / montaigne mo 782120)

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Claude Vivier - Bouchara

2005-03-26T06:05:00.000Z

機械翻譯自Claude Viver: Bouchara

簡介:Bouchara是烏茲別克的一城市名. 這首副標題為"老歌',被Vivier視作猶如葬儀的'聖物'.

Bouchara (speak: Bukara) is the name of a city in Usbekistan. In the sub-title of the work "dear song" stands, which described Vivier as "Reliquien"(Relic) of the death rite. The work developed 1981 in Montréal and is Dino Oliveri dedicated as "a dear song for my most beautiful love". The premiere took place on 14 February 1983 in Paris in the Centre Georges Pompidou by the ensemble È2M under the direction of Paul Méfano. In a letter, which Vivier wrote on 7 January 1983, few weeks before its death, from Paris Thérèse Desjardins, it means: "the first concert in Beaubourg on 14 February. I am very nervous, I have a terrible fear, this piece am so pure (the dear song for Dino). I hope that [... ] the public will understand my reduced music, in the case of this piece, with his uncommonly pure expression, I would say, it am the most conceptual, but tender, from a Lyrismus, that from any Schwulst is released... "

Text von Claude Vivier:

La i nou ka rès sho no yo da go mi pe sa ko
Rè Bouchara yo lei Bouchara lei
Do mi do ré do dè ka la ma ro djè ro djè
Ka yo fo ro pi là ka rè nou rè nou
So yè penzoni yè tchko mè za so yè penzo i yè di no ka rè no i
Ou a o nè yo Bouchara ka yeoh jto i ga
nè yo ke di yo ta rè to jkè jtoy za ye mi fo ta yè ro i ou wa Bouchara
Bouchara to yè tâ yè Ga cho paa do chè ka o chè i u da o ou ko
da o kou wè i o ou dè ra yo
Kazenta kazenta ko yè tchou yè goi za rè yo dji ko a dè i rè (dago) do i yi è tou
Dariso i yo mè ka yè (sh) da ri so mè
Ro sa mi ro sa mi ro mi ro yeu cha ke kè rou da yè
Da ro ziè tcho tai ke bo rio ko vo i do i zè na reu si va i zo i dè ka zo mi wa
Da lè zo wè ra ou o a kè za i ko wè do dè do dè da
dè do dè do dè na o ou yè da o do dè na o ou yè dè ki ya ka ro
Za i ni kè za ni kè ou o a è ka ya zo ka ya zo ya zo za i ni kè ka ya zo
i o a yè dji sa i ni i za
dè yo dè yo ri ka zè nou wa dè yo dè yo ri ka zè nou nou wa kè la râ
dè wa djè guè ka yo nè gou di no ka yo nè gou
di no zei dou ka yyo nè gou di no ka yo nè gou no zei mi ko o ka yo nè gou di no
la na i mar co

細川俊夫作品集 - 観想の種子音宇宙3

2005-03-13T13:05:00.000Z




" 観想の種子"(seeds of contemplation)(1986)是細川俊夫受義大利Rimini的音樂祭委託所完成的作品. 應委託者的請求,曼陀羅成為此曲的主題,並接受木戸敏郎的建議,將曼陀羅佈置在舞台上,演奏者依相對應方位而演奏. 7個樂章中的4個樂章依次對應四季與一天時分,曲子的整體安排也可被是作猶如一場佛教的法會 

細川說自己與其說在作曲,不如說在編輯此曲比較適當. 旋律部分大部分以既有的天台聲明為主,第1樂章引用自他自己的雅樂作品'Tokyo 1985',第2,4樂章則是引用自武滿徹的雅樂作品'秋庭歌'. 因此細川自比猶如歐洲以葛利果聖歌為素材,寫作彌撒與經文歌的中古世紀作曲家,只是主旨在此換成曼陀羅.

舞台配置與編器未變,但是音樂內容上作了改變的"新観想の種子"(1995)則在當代音樂重鎮Donaueschinger音樂節首演.  這首的話我手上只有mp3而無解說,坦白說光靠聽的只能大概聽出聲明的段落作了些變化...



アンサンブル遊聲

(反芻文) 細川俊夫 - Deep Silence

2005-03-13T05:22:00.000Z

作為武滿徹之後的日本新生代作曲家,細川俊夫的音樂除了在各個音樂節,演奏廳的演奏之外,也已開始在各大國際古典廠牌顯見足跡. 但或許是因為過於純正的學院背景,不走激進與過於實驗性的作曲手法和略於保守的題材,加上不玩電子音樂,使得他的音樂不管對哪一種聽眾都似乎不能立即投其所好或引起廣泛注意. 相較於他的老師尹伊桑,細川的音樂十足反映了日本自己音樂文化的內涵. 除了音樂幾乎完全注重於音色調配與音響性之外(顯然頗得老師真傳),更效法日本傳統音樂的發聲理論與美學思想,使得細川的音樂與一般西方音樂流派有著明顯相異的氣質.

"Deep Silence"裏頭包含了笙的雅樂獨奏曲與細川俊夫寫給笙與手風琴的作品. 細川向來不避諱對他的作品做寫意的描述,笙與手風琴所發出的獨特音色與和聲延綿不停,被形容象徵著自然,音宇宙或'無的境界'.選用的雅樂調子追朔回中國,其寓意即象徵著色彩,方位與四季.

演奏者宮田まゆみ將樂器笙帶入了另一個全然不同的境界. 日本的笙來自於中國,但是在傳統國樂與日本的雅樂,笙似乎都只是用來當做伴奏之用,獨奏曲目相較於其他樂器則是少得可憐. 宮田的音樂性與早期接受的西方音樂訓練(大學主修鋼琴,之後才學笙...),使得她能與眾現代音樂作曲家合作無間,並將這個樂器帶向世界舞台.

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相關連結
CD簡介(日文)
CD簡介(英文)
宮田まゆみ簡介與訪談

Valentin Silvestrov - Orchestral Works vol. 2

2004-10-03T16:09:00.000+01:00

http://www.megadisc.be

Silvestrov's first album of ECM is a brisk awareness about him. I bought this album just according to the brief info that said "... it's just like a open-air live at old Greek theater under the sky stars...". While listening to it, the softly cold touching and the neo-romanticism style appealed me immediately.

Usually the phrases in his works are unsophisticated and fill with brief repeated motifs which decorate them in the pointillism style, and the remnants of harmony expend fluidly through the whole work. His orchestral works are the very examples of this style. The articulation sometimes could remind you of the reminiscence of old Romantic style, but with the gesture of a book's postlude.

The sound of Sym. no. 5 just resonates with the feeling of night in autumn and subtle melancholy, and now you could sniff the chilly air mixed with the tenuous moisture from neighborhood's baths.

Autumn

2004-10-03T04:04:00.000+01:00

YKK (by Ashinano Hitoshi(芦奈野ひとし))

...

2004-09-28T15:42:00.000+01:00

from interent